EL ARTISTA Y SU ESTILO
Este artista surge en medio de un periodo de cambio y transformaciones sociales llamado el renacimiento .desde mediados del siglo XIV las ideas humanistas se recuperan .Leonardo da vencí nació u 15 de de abril del año 1452,en el pequeño pueblo de la toscana ,cerca de Florencia ,sus padres fueron florentino ser Piero (notario una campesina Caterina de ancchiano ,con la cual no se caso.
Pocos meses después el nacimiento de Da vinci su padre se caso con la hija de un mercader rico y la madre con Antonio di Piero. Davinci permaneció durante los primero años con su madre, y al cumplir 5 años vivía con la familia de su padre biológico, por lo cual tuvo una educación conforme a su clase social, sin hacer distinción con lo hijos legítimos .
Su maestro fue verochini quie ejercía con éxito su profesión en Florencia Dainci se mudo para seguir leyes no mostro interés por el derecho ni por el comercio, pero denotaba gran talento para el dibujo y la música .aprendió a cantar y a tocar el laúd para el entretenimiento de la burguesía floreana.
En la mas temprana adolescencia descubrió su gusto por el dibujo, lo que sorprendió a su padre que gracias a su influencia se los mostro al aclamado pintor Andrea verrochin1
Lo cual le llevo a aprender en su taller como su aprendiz.
A los dieciséis años. Leonardo a aprendió a trabajar y a fundir metales, esculpir pintor, estudiar y reproducir modelos desnudos ,con una inigualable obsesión a la perfección y al detalle realizo sus estudios a partie de figurillas que el mismo realizaba en terracota.
En el taller de verocchini adquirió sus conocimientos sobre perspectivas, estudio de la anatomía, arquietectura.convirtiendose en uno de los mas grandes artistas del renacimiento por su calidad, precisión
LA OBRA
1475-1478
Oleo sobre tabla
48 x 31 cm
la particularidad de esta obra es su simbología del dolor la cual es introducida elegantemente en esta tierna imagen de una madre jugando con su hijo, como un símbolo de la futura pasión , tenemos la cruz que sostiene el niño mientras una lagrima recorre su mejilla .
La imagen de la virgen y el niño es muy común durante esta época. pero las representaciones de Leonardo rompían de cierta forma la tradicional iconografía cristiana ,ya que lo religioso cede ante el sentimiento maternal de la virgen.
MIGUEL ANGEL
EL ARTISTA Y SU ESTILO
Michelangelo Buonarroti (. Fue el segundo de cinco hijos varones de Ludovico di Leonardo Buonarroti di Simone y de Francesca di Neri del Miniato di Siena. Su madre murió en 1481, cuando Miguel Ángel contaba seis años. La familia Buonarroti Simone vivía en Florencia desde hacía más de trescientos años y habían pertenecido al partido de los guelfos ; muchos de ellos habían ocupado cargos públicos. La decadencia económica empezó con el abuelo del artista, y su padre, que había fracasado en el intento de mantener la posición social de la familia, vivía de trabajos gubernamentales ocasionales, como el de corregidor de Caprese en la época que nació Miguel Ángel. Regresaron a Florencia, donde vivían de unas pequeñas rentas procedentes de una cantera de mármol y una pequeña finca que tenían en el pueblo donde Miguel Ángel había vivido durante la larga enfermedad y muerte de su madre; allí quedó al cuidado de la familia de un picapedrero.
El padre le hizo estudiar gramática en florencia con el maestro Francesco da Urbino. Miguel Ángel quería ser artista, y cuando comunicó a su padre que deseaba seguir el camino del arte, tuvieron muchas discusiones, ya que en aquella época era un oficio poco reconocido. Ludovico di Leonardo consideraba que aquel trabajo no era digno del prestigio de su linaje. Gracias a su firme decisión, y a pesar de su juventud, consiguió convencerlo para que le dejara seguir su gran inclinación artística, que, según Miguel Ángel, le venía ya de la nodriza que había tenido, la mujer de un picapedrero. De ella comentaba: Mantuvo buenas relaciones familiares a lo largo de toda su vida.
Tondo Doni / la sagrada familia
Tempera sobre tabla
120 cm
1504-1506
La sagrada familia mas conocida como tondo doni, una de las primeras obras pictóricas de miguel angel.la sagrada familia fue compuesta articulándose en una línea helicoidal a fin de dar a los personajes un movimiento que es acentuado por el entrante de los colores .
A pesar de que los trazos son simples la expresividad en los rostro y en los desnudos es impresionante ,los desnudos detrás del cuadro han sido interpretados de varias maneras durante el transcurso de los años ,desde símbolos paganos ,pasando por otros de carácter de tipo alegórico y hasta profético.
Sensorialmente denota una gran sensibilidad emocional, presentando rasgos de esperanza, dolor e hipocresía
TINTORETO (1518-1594)
EL ARTISTA Y SU ESTILO
Es el pseudónimo deJacopoRobusti, (el pequeño tintorerillo) por la profesión de su padre, es un gran maestro deel renacimiento junto a Tiziano.. Nacido en Venecia en el año 1518, era hijo de un tintorero de sedas, de donde le viene el sobrenombre. Sobre el principio de la vida artística de Tintoretto se dice que entró en el taller de Tiziano de niño, pero fue expulsado por el maestro a los diez días porque envidiaba sus dibujos, así que abrió un taller en el que se ofrecía con el eslogan: "El dibujo de miguel angel y el color de Tiziano".
Lo más probable, es que iniciara su aprendizaje con algún pintor manierista que le puso en la pauta del nuevo estilo en 1539 ya se establece como maestro y su pasión por pintar es tal que pinta casi gratuitamente, cobrando sólo el material y algo para mantenerse; esta actitud atrae a una importante clientela que levanta los recelos del gran Tiziano. Tintoretto se convierte en el pintor de los escorzos y de las diagonales: la violencia de sus obras es tan personal que hace que sean identificadas de manera fácil. Se puede decir que es el rubens veneciano. Su fama aumentó en proporción a los encargos, lo que le obligó a abrir un importante taller en el que trabajaban sus hijos Domenico y Marco, y su hija Marietta, más conocida como la Tintoretta. El Palacio Ducal y las grandes Scuolas son sus principales clientes, destacando la decoración realizada para la Scuola Grande di San Rocco, en la que se puede apreciar al mejor Tintoretto. Casado con Faustina Episcopi desde 1550, su vida se desarrolla entre su casa y su estudio, ambos en el mismo edificio, la FondamentadeiMori. El 31 de mayo de 1594 fallecía JacopoRobusti, el Tintoretto, en la Venecia que le vio nacer y triunfar.
Su estilo es de gran imaginación, con un dominio magistral de la luz y una técnica brillante de dibujo directocon los pigmentos, sus pinceladas resultan ser bastante planas; en su pintura de la Última Cena (1547), se refleja su genio, coloca la figura de Cristo en la posición tradicional con cuatro apóstoles a cada lado y cuatro a sus pies, dándole gran dinamismo.
El cromatismo es brillante, la luz clara y la pincelada incisiva y directa claramente definida, esto es evidente en Los cuatro Evangelistas (1552), su pintura en general es de corte religioso o mitológico, destacándose como retratista aunque sin el humanismo que Tiziano impregna a sus pinturas, aunque su último autorretrato (1588), resulta profundamente humano y al mismo tiempo sorprendentemente abstracto
Representa una escena rupestre con un fondo surrealista, plasmado de íconos religiosos, como la eterna lucha del bien y el mal, el Dragón que representa el mal destruyendo a un ser humano, y la doncella huyendo del lugar , prevalecen los colores verde y marrón.
TIZIANO (1518 – 1594)
EL ARTISTA Y SU ESTILO
Pintor Veneciano, con diferentes fechas de nacimiento, figura principal de la escuela veneciana del siglo XVI y configurador de su tradición colorística y pictórica, cuyo nombre completo era Tiziano Vecellio, nació en el valle alpino Pieve di Cadore, al norte de Venecia, en 1477, aunque algunos especialistas fechan su nacimiento diez años después, en 1487. Paso su infancia en el taller del pintor y constructor de mosaicos Sebastiano Zuccato. En Venecia, fue condiscípulo de Giorgione en el taller de los Bellini. Giovanni Bellini dejó una destacada impronta en su obra, hacia 1957 completo una serie de obras que quedaron sin acabar a la muerte de Giorgioni, siendo Venecia el centro de su actividad a lo largo de su vida.
Murió en Venecia en 1576. Su obra, que afectó de manera decisiva a la evolución de la pintura europea, proporcionó una alternativa igualmente poderosa y atractiva que la lineal y plástica tradición florentina seguida por Miguel Ángel y Rafael. Esta alternativa, que sería tomada por Petrus Paulus Rubens, Diego Velázquez, Rembrandt, Eugène Delacroix y los impresionistas, sigue viva en la actualidad. Por derecho propio, la obra de Tiziano se considera en la cima de los logros y éxitos en el campo de las artes visuales.
Trabajo para numerosos personajes relevantes de la época, negándose a trabajar en Roma, así los duques de Ferrara, Mantuana, Urbino; el emperador Carlos V, su hijo Felipe II de España y el Papa Paulo III se cuentan entre sus contratantes.
Se destaca por sus temas religiosos, de la mitología y como retratista, siendo esencial y exclusivamente pintor, el color desempeña un papel fundamental en sus obras combinando con gran sutileza los marrones verdes y rojos, el color es a Tiziano, como el mármol a Miguel Ángel.
Su pincelada es libre y vigorosa con riqueza de texturas dispuestas generalmente simétricamente, y en pinturas de obras arquitectónicas asimétrica, resaltan también sus retablos y bacanales con figuras dinámicas siguiendo los modelos clásicos y composiciones verticales. Sus retratos fueron sobrios en un inicio, siendo más liberales y con gran dinamismo en sus últimas pinturas, destacándose que los mismos fueron modelos para los grandes retratos rupestres pintados en el siglo siguiente, como Rubens, Van Dyck y Velásquez.
Hacia los años treinta su estilo se vuelve más sosegado (La Presentación de la Virgen 1534-1538) su pintura refleja la tradición Veneciana y fantasía arquitectónica de GentilleBellini.
LA VIRGEN DE URBINO (1538) óleo sobre lienzo 1.20 x 1.65
La obra presenta una mujerpudica, como una diosa, pero la presencia del perro aparenta ser un personaje real, tal vez una cortesana o una dama de algún duque, los colores son brillantes y bien elegidos el rojo, y blanco aumenta la teatralidad de la obra; el perro representa a la mujer dócil y fiel, aunque dormido le da una imagen curiosa , la postura dan cuenta de una influencia de la Venus de Giorgioni, destacándose también en el fondo la presencia idealista de las criadas para darle mayor realismo, al fondo detalles del palacio con el marco arquitectónico de un típico palacio veneciano con lujo de detalles, en momentos en que Venecia se constituía en una rica ciudad comercial.
DONATELLO (1386-1466)
EL ARTISTA Y SU ESTILO
El artista florentino Donato di Niccoló di BettoBardí, conocido como Donatello fue unescultor célebre, preferentemente de temas religiosos, considerado el máximo exponente de su disciplina en el Renacimiento italiano del siglo XV. No existen indicios definitivos de su actividad anterior a 1403, sin embargo Donatello sentó bases claras respecto a la escultura renacentista y fue el estilo a seguir de todos los escultores posteriores a él. De raíz clásica romana, dejó un legado magnífico de su estilo básicamente góticopuesto que sus obras fueron realizadas utilizando una vasta gama de materiales y técnicas, las que dominó a la perfección. Contemporáneo del gran escultor y también innovador della robin, la historia sitúa a Donatello sobre este, y se basa en el aporte realizado al movimiento de renovación artística que desterró los estilos medievales. Prolífico como el solo, el inigualable Donatello dejó un legado de, piezas de estilo original, que hasta su aparición nadie había creado. Esculpe, talla y graba utilizando mármol, metal, madera, terracota y piedras nobles.
En el año de 1403, aparentemente trabajo como ayudante del escultor LorenzoGhiberti,
Trabajando inicialmente en puertas de bronce, su primer trabajo las realizo para hornacinas.
Sus esculturas presentan una ligera torsión, y tensión en sus manos, así como una expresión vigorosa de su rostro, sus obras son concebidas para ser miradas desde cualquier ángulo con una perspectiva lineal, realizando una expresión convincente del espacio, sobre una superficie bidimensional, su naturaleza anteclásica contrasta con la geometría y detalles de sus obras, como los gesto violentos y cuerpos atormentados en actitudes de desesperación, presentando confusión y contorciones deliberadas que en conjunto intensifican las emociones, y son difíciles de igualar aún para grandes escultores como Miguel Ángel que fue su discípulo en determinado momento o Rafael.
ESTATUA DE JEREMIAS (1427-1435) mármol altura aprox. 2.00m
La obra presenta una ligera contorción del torso, con el brazo izquierdo rígido apegado a su cuerpo, con una mirada severa y profunda de desazón, se destacan los magnifico s pliegues de su atuendo y la profundidad de los relieves, llama profundamente la atención el realismo y acabado de todos los detalles, escultura digna de ser vista desde cualquier ángulo.
BRUNELLESCHI FILIPPO (1377-1466)
EL ARTISTA Y SU ESTIO
Artista florentino, arquitecto e ingeniero y escultor, hijo del notario BrunellescoLippi, aparece como maestro en el gremio de Orfebres de Florencia en 1398, trabajo en el taller de Lunardo di MatteoDucci, para el que realizo figuras de plata.
Si un florentino, Masaccio, puso las bases de la pintura renacentista, su conciudadano Filippo Brunelleschi fue el principal impulsor del nuevo lenguaje en la arquitectura.
Intervino, en el concurso para realizar las segundas puertas del baptisterio de Florencia, que ganó el escultor Lorenzo Ghiberti. Más tarde marchó con otro escultor, Donatello, a la ciudad de Roma, donde se dedicó a estudiar la arquitectura antigua.
De regreso a su ciudad triunfó, en 1418, en el concurso público para la finalización de las obras de Santa MariadeiFiore, catedral de Florencia. Construyó entonces, entre 1420 y 1436, su famosa cúpula sobre tambor octogonal, con forma semiesférica en el interior y perfil ligeramente apuntado al exterior, que llegó a ser levantada sin cimbra o armazón de madera.
Filippo Brunelleschi murió el 15 de abril de 1446 en Florencia. Aunque la crítica del siglo XX descubrió en su obra reminiscencias del románico italiano y del gótico, su carácter de pionero del Renacimiento es indiscutible.
Formulo los principios de la perspectiva desde un solo punto, se caracterizó por resolver problemas estructurales de ingeniería y arquitectura con influencia del románico toscano y formas medievales utilizando sistemas modulares clásicos.
Aplico la teoría modular en sus diseños, con proporciones armónicas entre columnas, naves, coro y cruceros, utilizando además contrafuertes, demostró en su última obra que la linterna puede tener un propósito estructural.
CUPULA Y LINTERNA DE LA CATEDRAL DE FLORENCIA (1425-1467)
En 1943, se inicia la labor de construir la cúpula, que prácticamente lo llevara toda una vida, presenta el reto de cubrir con una cúpula el crucero de la iglesia de un diámetro de 42m construyéndola por medio de anillos concéntricos auto sostenibles, con una técnica de construcción romana.
RAFAEL SANZIO
EL ARTISTA Y SU ESTILO
1483-1520
Nació en una pequeña cuidad montañosa de Urbina, gobernada por la familia montefeltro, la cual era famosa por su actividad cultural, intelectual y artística.se supone que su primer maestro fue su padre geovanni .
A lo largo de toda su carrera mostro una receptividad impresionante para la obra de otros artistas .su estilo inicialmente fue la síntesis de de las realizaciones de las figuras mas importantes de la generación itálica central .en 1504 pinto la obra maestra de este primer periodo ,gracias a esto tuvo contacto con Leonardo davinci y miguel Ángel ya ambos pintores .
a mediados del siglo XIX las limitaciones en la temática despiertan su inventiva en 1507 fue llamado para pintar una composición en una capilla ,en el cual tubo varios problemas en la composición ,como la integración de las diez figuras ,a pesar de la belleza individual de las figuras se notaba la frialdad y un movimiento forzoso ,a pesar de que no fue un gran exisito a finales de 1508 fue llamado a roma por el papa julio II ,donde trabajo en la re decoración de una serie del vaticano conocidas como “stancce ”,la biblioteca (individualmente),entre otras.
su logro no fue solo la culminación de estas obras o la evolución artista que había sufrido descubrió el arte clásico ,con el cual tuvo una respuesta inmediata. en 1511 comenzó a trabajar en la sala contigua la stanza d`elidoror ,la stanza della segantura , donde representa representaciones netamente religiosas c mas sensación de movimiento .
Otro aspecto digno de tener en cuenta dentro de la inmensa producción artística de Rafael es el retrato .en Florencia sus retratos eran relativamente estereotipados al igual que las expresiones ,con el transcurso de los años aprendió a dar variedad con el fin de expresar personalidad y jerarquía social en el modelo ,así tenemos la ultima obra importante de sanzio “el retablo de la trasfiguración ” donde muestra un mayor dominio del claro ,oscuro .
Consiguió una habilidad para recrear el espíritu de la antigüedad especialmente el helenístico con total frialdad y congruencia. Estilo es diferente al de los fresco , tiene una tonalidad mas sombría ,era experto para la técnica al fresco y su obras son casi comparables al del oleo con su respectiva luz y sombra
LA OBRA
La liberación de san Pedro
Detalle; al fresco
Ancho de base 660 cm
1513-1514
Stanza di Eliodoro, vaticano, roma.
En esta obra se muestra un gran espíritu religioso, donde la fe, y la redención sobresalen entre todos los aspectos .es una composición con gran movimiento, las figuras no se integran en su totalidad, pero en cuanto al contexto están bien definidas. La centralidad de la obra se encuentra ubicada en la parte superior de la puerta lo que percibe como la entrada a la liberación
BOTICELLI SANDRO 1444- 1510
EL ARTISTA Y SU ESTILO
Nació en Florencia, en un barrio de trabajadores en el arrabal de Ognissanti Era el menor de cuatro hijos del matrimonio formado por Mariano di Vanni di Amedeo Filipepi, de oficio curtidor, fue adoptado por su hermano mayor quien asu nacimiento tenia 25 » , sin que se sepa si recibió el apodo por su gordura o
Con el sobrenombre de Botticelli que significa pequeños barriles se suele conocer a Alessandro dei Filippo Lippi, uno de los pintores italianos de la escuela de florentina.
Vasari cuenta que fue discípulo de filippo lippi al que probablemente ayudo con la realización de los frescos de prato y spoleto, hacia 1460.
Las obras mas importantes de este artista deberían fecharse hacia finales de los años 1470
En 1472 aparece citado como miembro de la compagnia di san luca en Florencia
En 1481, El papa llamó a toda una serie de artistas prominentes florentinos y umbrios, entre ellos a Botticelli, para que pintasenfrescos en las paredes de la capilla sixtina
Así hablaba Vasari del primer Dante impreso (1481) con las decoraciones de Botticelli, no imaginándose que el nuevo arte de la impresión pudiera interesarle a un artista.
Presenta tendencias anti naturalistas en sus últimas obras
Presenta también una mayor emoción, un alargamiento a las figuras y un movimiento sinuoso y ondulante mas típico en el estilo gotico del arte renacentista, sus cuadros son de temas religiosos y místicos. (su gran mayoría)
En los últimos años del artista tras actividades moralizadoras pinta la natividad mística ,que se presenta con una gran dramatismo y emoción, nueve años después muere. en 1510
LA OBRA
Detalle del nacimiento de Venus
Oleo sobre lienzo
Medidas; 175 x 287 cm
Florencia
Esta obra ha sido muchas veces comparada don la divina comedia de Dante; algo que influyo mucho en el autor ;y las comparaciones van ms allá de los simbólico, como podemos ver en cephiro y clores .las mejillas se ven replicadas en una parte de la divina comedio ,calve recalcar las semejanzas estéticas de la “Venus” con la mujer idealizada que Dante encuentra en el cielo; esta obra presente un sin numero de simbolismos que dan contraste a su composición ; como el dios del oriente y la diosa de la brisa que representa la unión entre materia y espíritu, la mujer que se encuentra a su lado derecho representa la espera de la diosa en las costas de Creta .
La definición del espacio como tal por lo que no este bien definido, es una obra de carácter central, donde la pudorosa fémina es el centro de la representación
ANDREA VERROCCHINO
El ARTISTA Y SU ESTILO
El escultor y pintor italiano Andrea di michele di francisco cioni nació en Florencia . Es, junto con Donatello, uno de los principales escultores italianos del primer renacimiento Trabajó como orfebre en el taller de Giuliano Verrocchio, de quien tomó el sobrenombre; también como escultor con Donatello, y como pintor con Alesso Baldovinetti. Más tarde dirigió una gran academia en Florencia que llegó a convertirse en el principal centro de arte de la ciudad. Entre sus alumnos estuvieron Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Lorenzo di Credi y Perugino. El monumento ecuestre de bronce que hizo Verrocchio para el condotiero veneciano Bartolomeo Colleoni, ubicado en el Campo dei Santi Giovanni e Paolo en Venecia, destaca por su impresión de nobleza y poder y por la consumada destreza con la que resuelve los problemas técnicos y anatómicos. Verrocchio sólo pudo hacer el modelo en arcilla (barro) de esta estatua, terminada tras su muerte por el escultor veneciano Alessandro Leopardi. Otras esculturas en bronce de sumo interés fueron el David (1470-1472, Museo Nacional del Barguello, Florencia) y Amorcillo con un delfín (c. 1476, para la fuente del patio del Palacio Vecchio, Florencia). Muchos de los cuadros atribuidos a Verrocchio fueron ejecutados, con toda probabilidad, por sus discípulos, a partir de los diseños que hiciera el maestro. Las pocas pinturas en las que puede identificarse su estilo se distinguen por un dibujo y un modelado sobrio, firme y un colorido esmaltado.
LA OBRA
David
Técnica; bronce
La escultura representa a un joven rey David , se lo podría comparar con el David de dónatelo pero este se presenta con una postura gótica por su belleza y postura. Su musculatura es bastante marcada lo que la mantiene con la praxiteliana curva de la antigüedad; no existe mayor movimiento lo que sugiere la calma después de la victoria .esta es una de los ejemplos de la escultura renacentista que sigue los pasos de la antigüedad.
Angelico, Fra. 1400 -1455
Este fue el nombre con el que se conoció l mayor pintor del renacimiento florentiino,fra geovani da fiesole, su verdadero nombre era Guido di Petro ,nació en mugello diez años después de lo que tradicionalmente se ha creido .aun aparece como laico en 1417 y no se lo reconoce como Fra Angelico hasta 1423
Cuando joven fue puesto para el ingreso de la cofradía de una iglesia florentina en 1417 por Batista di Baggio ,pintor de antifonarios.
Trabajo como miniaturista. en 1418 era famoso como pintor de tablas. De estilo gotico
epresento el enlace con el gótico en Florencia. Su sentido curvilíneo y sus colores dorados recuerdan el estilo internacional y a la escuela de Siena. Pero la concepción que tiene del volumen expresa la irrupción de un nuevo elemento en la pintura.
Sus obras, hechas en colaboración con sus discípulos, a menudo frailes compañeros suyos, se basaban en esquemas miniaturistas heredados de su maestro Lorenzo Monaco, lo que hace de Fra Angélico un artista de fondo medieval. Incluso así, su ideología se expresaba con un lenguaje pictórico moderno, que encontró en la pintura revolucionaria de Masaccio.
Es el pintor de las Anunciaciones (una de ellas se encuentra en el Museo del Prado), donde despliega su dulzura y su temperamento tranquilo. Paisajes, líneas y colores muestran el mismo equilibrio. Dedicó una gran parte de su vida artística a decorar con frescos las celas del convento de San Marco, donde vivió y donde ahora, convertido en el Museo dell’Angelico se conservan la mayor parte de sus obras. Allí se encuentran obras pintadas sobre madera y una serie de frescos (1438-1477) con escenas de la vida de Cristo.
Sus obras, hechas en colaboración con sus discípulos, a menudo frailes compañeros suyos, se basaban en esquemas miniaturistas heredados de su maestro Lorenzo Monaco, lo que hace de Fra Angélico un artista de fondo medieval. Incluso así, su ideología se expresaba con un lenguaje pictórico moderno, que encontró en la pintura revolucionaria de Masaccio.
Es el pintor de las Anunciaciones (una de ellas se encuentra en el Museo del Prado), donde despliega su dulzura y su temperamento tranquilo. Paisajes, líneas y colores muestran el mismo equilibrio. Dedicó una gran parte de su vida artística a decorar con frescos las celas del convento de San Marco, donde vivió y donde ahora, convertido en el Museo dell’Angelico se conservan la mayor parte de sus obras. Allí se encuentran obras pintadas sobre madera y una serie de frescos (1438-1477) con escenas de la vida de Cristo.
La anunciación
Al fresco
Dimensión; 230 x 321
Entre las fechas; 1440-1449
Corredor superior del convento de san marcos Florencia.
Estilo de transparencia y brillante esta desarrollada con un perspectiva militar a cuarenta y cinco grados con capiteles jónicos y volutas ,se observa en el fondo una vegetación tupida ,destacando la figura de un Ángel y un santo dentro de cada arcada,
Es una representación de la virgen María junto al arcángel Gabriel en el momento de la revelación de la voluntad divina.
Percibe la pureza y mansedumbre de la virgenGIOVANNI BELLINI (1429-1516)
EL ARTISTA Y SU ESTILO
Proviene de una familia de pintores italianos, siendo discípulo de su propio padre, según la usanza del arte de la época, fue a su vez el maestro de dos grandes genios: Giorgione y Tiziano. Giovanni fue apodado el Giambellino, en referencia a la belleza y sensibilidad con la que trabajaba sus pinturas, desde el punto de vista de la historia del arte, Giovanni (c.1430-1571) es el miembro mas importante de la familia Bellini. Convirtió a Venecia en uno de los centros artísticos más importantes del Renacimiento Italiano. A partir de 1479 Giovanni colaboro con frecuencia con su hermano Gentile, también magnífico pintor; en la importante serie de pinturas realizadas para el Palacio de los Dux, ambos forman parte de la Escuela renacentista veneciana, en la cual tomó una importante parte la ola de renovación espiritual que trataba de contrarrestar el supuesto paganismo del Renacimiento. Es por esta razón que Giovanni se decantó con frecuencia por la temática religiosa en vez de la mitología clásica.
El propio Durero le conoció cuando Bellini era ya muy viejo, pero "aún el mejor pintor", en palabras del alemán. Y murió en 1516.
Junto a Gentile, trabajó en la decoración al fresco de las Secuelas venecianas. Pero además de su hermano y de su padre, Jacopo, posteriormente recibió importantes encargos del Estado. En 1506 Alberto Durero durante la segunda visita a Venecia, escribió que Giovanni evoluciono desde un estilo ligado al taller de Jacopo aunque enriquecido por la recibió influencia, La más crucial vino por parte de su cuñado, que era nada menos que mantegna como se ve en su Resurrección de los años 50; Museo Correr, Venecia. Hacia uno más basado en el estudio minucioso de la luz de color De él aprendió el dominio del dibujo y la rotundidad del volumen, aunque en cualquier caso el Giambellino hacía honor a su apodo, realizando pinturas de mayor lirismo que las de su cuñado. La visita de Antonello da Messina a Venecia en 1475/76 fue fundamental para el estilo de Giovanni le proporcionó modelos de referencia que él aprovechó con grandes resultados: la técnica del óleo, la linealidad de raíz flamenca frente al colorismo veneciano, nuevas iconografías que renovaron su repertorio... Su influencia fue trascendental no sólo sobre sus discípulos directos sobre todo Tiziano y Giorgione murió antes de Giovanni, y las innovaciones por él introducidas en el arte influyeron indudablemente en su maestro. Un cuadro como La Embriagues de Noé, sino sobre toda una generación de pintores nacidos o afincados en Venecia, influencia que se rastrea en el propio Durero, que le conoció cuando Bellini era ya muy viejo, pero "aún el mejor pintor", en palabras del alemán. En los últimos años de Bellini, demuestra que este adapto su estilo a la nueva época post-Giorgione. En los últimos años de Bellini, demuestra que este adapto su estilo a la nueva época post-Giorgione.
LA FIESTA DE LOS DIOSES (1514) OLEO SOBRE LIENZO 1.70 X 1.88
Pintura con abundantes personajes con poses no muy naturales, como que se tratara de una fotografía actual, los efectos de la luz vienen de el frente derecho hacia atrás produciendo un fondo oscuro, hacia la izquierda se aprecia un fauno desnudo, mientras los dioses se encuentran en un bacanal bebiendo o reposando, la escena se lleva a cabo en medio de un bosque, destacándose la abundante vegetación.
CORREGGIO (1490- 1534)
EL ARTISTA Y SU ESTILO
Correggio, cuyo nombre verdadero era Antonio Allegri, fue un pintor del norte de Italia maestro de sentimentalismo y de ilusión, su fama jamás ha recuperado en los siglos XVII y XVIII nadie se podía igualar en su fluidez de diseño y sus pinturas en caballete. Su padre actuó como garante en su primer trabajo en 1514 la Madonna de San Francisco en la iglesia de San Francisco. Su ciudad natal una ley local para los artistas de menos de 25 años. Correggio había visitado la ciudad y puede que haya sido el autor de los cuatro Evangelistas, la influencia de las estampas de Alberto Durero es evidente en dos de sus primeras pinturas que no permitían imaginar que Correggio habría de convertirse en algo más que in pintor de provincias. es posible que la complejidad relativamente la amplitud después de 1518del contrato directo con las obras de Miguel Ángel y de Rafael. Sus primeras pinturas maduras son las de Diana y los Querubines, es posible que el éxito obtenido con esta obra haya sido la causa de que se llamase para pintar la bóveda de San Juan Evangelista, los pagos que le hicieron efectivos entre 1520 y 1525.
Su concepto totalmente original, en 1526 recibió el primer pago por el proyecto de la enorme cúpula, durante el periodo en que pinto las cúpulas, termino también una serie de retablos. Todo parece indicar que su actividad artística se vio muy mermada en los cuatro últimos años de su vida. A la muerte de Correggio se formo en Parma se formo en Parma una escuela de imitadores entre los cuales destaca el joven Pargianino, pero su mayor impacto en el siglo XVI.
Es un maestro de la ilusión óptica, mostrando en sus pinturas mucho sentimiento, con abundantes decoraciones de bóvedas y retablos, que influenciaron el arte barroco y rococó, tiene una capacidad para poner en movimiento las formas y colores de una manera suave, sus ilustraciones están basadas básicamente en imágenes romanas con querubines, frutas y vegetación, su pintura se basa además de complejas configuraciones de luz y color con osadas simetrías y asimetrías combinadas con luces brillante.
JUPITER E IO, óleo sobre tela 1.63 x 0.74
Júpiter abraza a IO, dándole un beso, saliendo de una nube en forma fantasmal y surrealista, se aprecia el contraste del claro oscuro, con IO recostada de una manera sensual, sobre abundantes frutos.
ANDREA MANTEGNA
EL ARTISTA Y SU ESTILO
1431-1506
Andrea Mantegna fue un pintor y grabador italiana, también escultor; era hijo adoptivo y aprendiz de un pintor anticuado de Padua, Francesco Scuarcione.
Este gran artista no se desempeño solo en las artes pictóricas si no también en proyectos arquitectónicos, tapices, jarrones, cuencos y frescos sobre temas religiosos y paganos .también creo diseños escenográficos sobre tela (triunfos del cesar c. 1486) .visito venecia en 1448 y es posible que conociera a pierro della Francesca cuyo monumentalismo influyo en su obra.
Como muchos de los artistas mencionados en el bloq también cedió servicios al papa ,con unas pinturas al fresco de una capilla del belvedere vaticano, cumpliendo con la entrega de múltiple altares, ,murales ,etc.
Muchas de sus obras muestran una profunda preocupación por la perspectiva que estas sumamente relacionados con el eco del artista Donatello ya que compartían su pasión por el estudio de la perspectiva y un afán por evocar la antigüedad en su estilo.
El estilo de la figura mantenga, era demasiado frágil y lineal para atraer al alto renacimiento
LA OBRA
La Agonía en el Huerto
Tabla; 63 x 80
1455
Esta representación religiosa, un tanto controversial y simbólica; de alta calidad pictórica la podemos considerar como, la lucha de los valores cristianos que se ven distorsionadas con los años ,tras los intereses religiosos ,por lo que se la considera u pagana ; la perfección entre los tiene excelencia en cuanto a los contrastes de claro y oscuro ,la perspectiva cónica se asemeja con gran precisión a la realidad ,es una composición lineal que expresa dolor ,ira incredulidad, sufrimiento ,con poco movimiento pero con una gran fuerza como parte de su esencia
